海外音楽評論・論文紹介

音楽に関するレビューや学術論文の和訳、紹介をするブログです。

<Bandcamp Album of the Day>TALSounds, “Acquiesce”

Natalie ChamiがTALsoundsとしてリリースした最新作のジャケットにはマットレスの端が写された、無味乾燥な写真があしらわれている。ベッドには枕が置かれていて、その隣に置かれたナイトスタンドの上にはおばあちゃんの家においてあるようなアンティークのランプが鎮座している。一見するとこのイメージは単純で、無害ですらあるように見えるかもしれない。しかし二度、三度と見ていくと、そこに写っている詳細が見えてくる――写真の中央に写っている細いろうそくや、フレームのそこに収まっている毛羽立ったカーペット、そしてこの場面になんだか神秘的な輝きを与えるかのような、ポラロイド風の色調など。

Acquiesce』に収録されている音楽もまた、それと同じような感じで聞き手にこっそりと近づいてくる。彼女の5作目となるこの作品(そしてNNA Tapes移籍後初作品)でChamiは、相変わらずゆっくりと展開していくドローンへの愛着を探求しており、彼女のアナログ・シンセサイザーと優しい囁き声が、ランプで照らされた部屋に充満した銀色の煙のように重ねられている。彼女は前作『Love Sick』において、それまでのソロ作品(もしくはGood WillsmithBrett Nauckeのような同郷・シカゴのアーティストとの共演作品)に比べてより直接的にポップ・ミュージックを受け止めていた。しかし『Acquiesce』ではすべての音は漂っていて、シンセサイザーのいろいろな音の形を集めた豊かで心地よいアソートメントになっている。

Chamiのインストゥルメンテーションは、憂鬱な物思いの中でダンスするような“Opening”や“No Rise”で聴かれるような曇りがかったものと、“Soar”のようなにじみ出る糖蜜の一滴にも似たドロッとした音の板、この2つの間を行き来する。時に、シンセサイザーが彼女の最も強力な武器でなくなることもある:微かな“Else”は消音されたゴロゴロという音で始まり、やがてChamiの渦を巻くような歌声が楽曲を飲み込んでいく。『Acquiesce』にはこのような瞬間がたくさん詰まっていて、Chamiは一見単純に見える要素からテクスチャの特性を引き出し、催眠の形を取るほどにそのサウンドを拡張してく。この作品を散歩中に聴けば、木々の間に溢れる木漏れ日に急に気がつくかも知れない。普通の世界を超えたところに隠れているなにか神秘的なものにChamiが気がついたように。

By Sam Goldner · May 14, 2020

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<Bandcamp Album of the Day>Ric Wilson and Terrace Martin, “They Call Me Disco”

シカゴのラッパー=Ric Wilsonとロサンゼルスのプロデューサー=Terrace Martinはこの共作EP『They Call Me Disco』に最大限の勢いと信じられないほどの温かさをもって取り組んでいる。作品の冒頭から即時性に満ち溢れていて、そこから続くのは生き生きとして輝くようなディスコとラップの交わる十字路である。

Wilsonの強さは作詞における口語体的アプローチと、楽曲の背景として故郷を使うその方法である。“Don't Kill the Wave”でWilsonは「俺たちは波を追わない/俺たちが波を作るのさ」と歌っているが、これは多くのシカゴ市民が感じていることをうまく言い当てている。この直通線はBJ the Chicago Kidをフィーチャーした甘々しい“Chicago Bae”で再び使われ、この街への言及を散りばめながら典型的な夏のシカゴの一日を時系列で綴っていく。『They Call Me Disco』は曲がりくねった道を宛てもなくさまよった後、ようやく“Before You Let Go”にたどり着く。そこまでの楽曲とは打って変わって強烈なこの曲でWilsonは不確かな愛を描いている。

このEPはWilsonの驚異的な成長を物語るものであり、Kendrick Lamar、Kamasi Washington、Snoop Doggなど大物と共演してきた、グラミー賞にノミネートされた経験もあるMartinというプロデューサーと組むことによって、彼は未来の可能性に飛び込む準備ができていることを示す作品を作り上げた。

By Tara C. Mahadevan · May 13, 2020

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<Bandcamp Album of the Day>Salt Cathedral, “Carisma”

2016年、ブルックリンを拠点とするコロンビア人デュオ=Salt Cathedralは単純で、それでいて物事の見方が変わってしまうような重要な気づきを得た:人々はダンスをしたがっている! 当初はNicolas Losadaによる知的でLittle Dragon風のプロダクションとJuliana Ronderoによる魅惑的なソングライティングとひらひらしたヴォーカルによって知られていたこの二人組は、ダンスホールやソカのリズムを吸収し、そのサウンドベッドフォード=スタイベサント地域のカリブ系の住民たちの間にとどろかせている。ボゴタで過ごした十代の時期に養われたレゲトンやチャンペータといった音楽に新たな影響をぶつけるかのように、このバンドはLee ”Scratch” PerryAssassin、Big Freediaといった強力な面々との一連のコラボ・シングルをリリースし、二人によるつやのあるバンガーに知恵や文化に対する尊敬の念を吹き込んだ。そして今回、冒険的な新しいサウンドの研鑽を経たSalt Cathedralは、ついに輝かしいデビュー・フル・アルバム『Carisma』のヴェールをとった。

アンセム風の1曲目”Rude Boy”はバンドの現在のサウンドを決定づけたカリブ系の住民たちへのラブレターであり、”Muévelo”でのLosadaのコーラスはパナマ人でレゲトンのパイオニア=El Generalに敬意を表している。Ronderosは舞い上がるような声楽の体操と無縁ではなく、チャンペータ風の”Que Corra el Agua”や悲しげで懺悔するようなポップ”A Second Chance”でその才能をいかんなく発揮しているほか、『Carisma』はLosadaをギターやコントローラーの背後から連れ出して前面に押し出してもいる。消えつつあるロマンスを切迫感ある筆致で描いた”Paris”で、Losadaは感動的なレゲトン・ラップ――ヴォコーダーでマスクをかぶってはいるが――を披露し、相方の後ろではなく、相方と一緒にセンターを張っている。『Carisma』の中で、Salt Cathedralはデンボウ、バイリ・ファンキがパンパンに詰まったパン=アメリカン音楽のバイキングを提供している。”How Beautiful (she is)”ではクイーンズのソウル・シンガー=duenditaとブラジルのスーパースターMC=Bin Ladenをフィーチャーし、夏の夢にぴったりの明るく朗らかな曲となっている。

By Richard Villegas · May 12, 2020

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<Bandcamp Album of the Day>Various Artists, “Pacific Breeze 2: Japanese City Pop, AOR & Boogie 1972 – 1986”

2020年にあって、日本のバブル期というのはファンタジーのように思える。1980年代にわたって訪れたその時期の間、この国の経済は高く舞い上がり、歓喜に満ちたムードが席巻した。この時代は経済的豊かさ、ネオンに染まった夜景、そしていつまでも続くような楽観主義によって定義される。30年が経ったいま、この時代のイメージは、そのような時代を実際には経験していない世界中の若者にとって、「古き良き時代」を想起させる一種のノスタルジアとして機能している。それは音楽においても同じことである――ハイ・エンドな車内のシステムで鳴らされるために設計された、ファンク、R&B、そしてディスコからの借用によって華美に飾り立てられた楽曲たちは「シティ・ポップ」という明確なスタイルによって言い表される。シティ・ポップヴェイパーウェイヴフューチャー・ファンクといったニッチなジャンルの土台となり、若い日本のクリエイターたちにインスピレーションを与え、だれも予想しなかったYouTubeヒットを生み出した。

Light In The Atticから出た『Pacific Breeze 2: Japanese City Pop, AOR & Boogie 1972 – 1986』は、ある特定の美学やアルゴリズムのアシストによる興味に還元されてしまうそのスタイルの中でも、音響的な発展や多様性にスポットライトを当てている。これは昨年出た、のちにシティ・ポップがどのような音楽となるのかを決定づけたアーティストたち――細野晴臣大貫妙子といったこの国で最も人気のあるアーティストも含まれていた――の楽曲を、初めて日本国外でも聴取可能にした『Pacific Breeze』の続編であり、そのミッションは今作でも継続している。

『Pacific Breeze 2』はシティ・ポップとそれに隣接したジャンルがどのように日本で発展していったのかを捉え、そのサウンドがこの国の資本家たちのピークと同時に爆発したのではなく、実はそれに先んじて成立したものであることを思い出させてくれる。岩沢二弓(ふゆみ)・幸矢(さつや)兄弟によるBread & Butterというプロジェクトがこのコンピレーションの1曲目”Pink Shadow”を飾っている。この曲はそのアコースティック・ギターの音色も相まって、70年代初期の日本における「ニュー・ミュージック」的なフォーク・ロックへの接近を見せている。The Sadisticsの”Tokyo Taste”のように、中期のものになるとだんだんサウンドがなめらかになり、ホーンが印象的な笠井紀美子の”Vibration”はさらに大げさなサウンドである。80年代のものは、様々な電子機器が使われ、より光沢を増している(Pipierの”Hot Sand”や菊池桃子の”Blind Curve”など)。そしてさらにはこの時期の日本の音楽にとってジャズ・フュージョンがどれほど重要であるかということも思い出すきっかけとなっていて、最後を飾る鳥山雄司の”Bay/Sky Provincetown 1977”は『Pacific Breeze』の中でも最も舞い上がるような瞬間である。

戦後の壊滅的な状況から経済大国となり、人々が人生を謳歌することができるようになったこの国の成長を反映するかのような楽観主義がシティ・ポップの輪郭を縁取っている特徴である。これらの喜びのきらめきは”Pink Shadow”のコーラスや大野絵里”Skyfire”の過剰なプロダクションに見て取ることができる。しかし『Pacific Breeze』はこのサウンドを取り巻くより様々な感情を示していて、”指切り”(元・はっぴいえんどのメンバーで、日本で最も名高い作曲家の一人である大滝詠一による)のフルートと南国風のパーカッションの下に潜む緊張感から、記憶はいつでも思い出すことはできるけど、永遠に続くことなどないのだと歌う杏里”Last Summer Whisper”のメランコリーなファンクにいたるまで、この『Pacific Breeze』はシティ・ポップというサウンドを取り巻く様々な感情を示している。このジャンルの末路を考えると――日本の経済的バブルがはじけた後、シティ・ポップもまた薄れていった――それもこのコンピレーションにはぴったりなのかもしれない。しかし『Pacific Breeze』が実証している通り、この高揚感溢れるムードは決して色褪せたりはしないのだ。

By Patrick St. Michel · May 11, 2020

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<Bandcamp Album of the Day>Jonny Nash & Suzanne Kraft, “A Heart So White”

Jonny NashとSuzanne Kraft(プロデューサー=Diego Herreraの変名)による穏やかなアンビエント・ミュージックは、まるでほとんど何も残らないほどに削ぎ落されたかのように聞こえる。Nashはこの柔和なミニマリズムに対する探究は、静かで、希薄ながらもとてつもなく美しい作品として自身がアムステルダムに設立したレーベル=Melody As Truthからリリースされている。L.A.のエレクトロニック・バンド=Pharaohsでキーボードを弾いていたこともあるHerreraは、彼自身の最も牧歌的な作品をNashのレーベルのために取っておいた。この二人による最初のコラボレーション・アルバム『Passive Aggressive』(2017)はすべてコンピューターのソフトウェアを使って製作されたものであるが、その優しい音の一つ一つに驚くほどの空気感が保たれていた。どれだけ加工されたものであっても、二人が一緒に作る音楽からは化学反応と意思疎通の感覚が伝わってくるのだ。

NashとHerreraは『Passive Aggressive』以降にも、アトモスフェリック・ジャズのレジェンドのGigi Masinを招いたスピリット・コンピレーションを含む多くの録音物をリリースしているが、二人による2作目『A Heart So White』は、この二人の輝かしいコラボレーションにおける意外ながらも価値のあるターニング・ポイントとなっている。二人はぜーぜーと息を立てるような機械式オルガンと繊細なスタインウェイのピアノを中心とした完全なるアコースティック・セットへと切り替えているのだ。しかし空間と穏やかさは幸福感と静謐さを保ったままである。ここにおいては無音は音と同じく重要である。銀色のピアノの音色の群れが現れては立ち消えて、次の音色が浮かんでくるための莫大な空間を作り上げている。

空間の感覚が最大の特徴であるこのプロジェクトにあって、作品全体を通して呼吸しているオルガンは命といってもいい。1曲目の”The Pearl”や”Guilt Or Fear”ではコンスタントな音や鼓動が流れ、そのそびえたつような楽器は彷徨うようなギターの音に対して温かく親密な土台を作り上げている。吸い込まれそうになるほどのパワーの中で一つ一つの静かな瞬間が積み重なっていき、それは最後から2曲目の”Knife”で柔らかなピークを迎える。リズム的に繰り返される音によって句読点を打ちながら――その絶妙なスタッカート・パルスはこのアルバムの中で最も鋭い音に近いものである――この曲はだんだんとピアノ、ギター、そして電話機のタッチ・トーンを折り込みながら、甘美な9分間を提供してくれる。ミニマリスト・エレクトロニック・ミュージックを「アンビエント」と呼びつつ似たようなアコースティック由来の音楽を「アカデミック」と聴き誤るというのは簡単だが、『A Heart So White』はボーダーレスで何にもとらわれていないように感じる。その広大な音のタペストリーにはクラシック、ジャズ、アンビエントの余地も作りつつ、まるで地平線のように広がっていくのだ。

By Miles Bowe · May 08, 2020

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<Bandcamp Album of the Day>Black Taffy, “Opal Wand”

Donovan JonesはBlack Taffyとしてビート・ミュージックを作り始める前、This Will Destroy Youというポスト・ロック・バンドでキーボードとベースを弾いていた。現在はLAの名高いLEAVING Recordsと結びつき、ダラスを拠点とするこのプロデューサーが作り上げるエレクトロニック・サウンドはビート・シーンの全盛期に漠然とインスパイアされていて、Low End TheoryのDJたちの頭がついつい動いてしまうパーカッションと、TeebsやDaedelusのようなエクスペリメンタルな先駆者たちのようなメロディックなシンセが特徴である。しかしJonesのBlack Taffyはパーティに間に合わなかったというわけではない。むしろ、彼はそのシーンの断片を彼自身の、魅力的に歪んだ観点から再構築しているのだ。

Black Taffyのディスコグラフィーのハイポイントにはベースとパーカッションによって完全に別物になっているアンビエント・アルバム『Parlour Arcana』やLEAVING Recordsでの最初の作品『Elder Mantis』、そしてテレビドラマシリーズ『The Twilight Zone』のスコアを使った13曲のサイクルである『Half Light』などがある。ブラジルとテキサスで録音された彼の最新作『Opal Wand』は、これまでの作品たちの様々なテーマを一つにまとめあげ、Black Taffyというものを最もよく定義づけしている作品となった。緻密なパーカッションと優れたアレンジの才覚を倍増させたJonesは恐怖と美しさの間にある領域を自分のものとし、“Queen's Gambit”のマイナーコードにはその節くれだったエッジにほのかな洗練を付け加えるために暖かなシンセの音色を織り込んでいる。ほかにも、“Ocarina”ではスクラッチされたハープのサンプルを用いて、チョップされたヴォーカル・ラインと、自ら曲から浮きに行こうとしているかのようにトリップしているドラムのグルーヴをアシストしている。全体的に、『Opal Wand』はBlack Taffyの宇宙への新たな入り口である。エキサイティングで、緻密で、それでいて楽々とこなしてしまうのだ。

By Will Schube · May 07, 2020

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<Bandcamp Album of the Day>Bishop Nehru, “Nehruvia: My Disregarded Thoughts”

2012年、Bishop Nehruはデビュー・ミックステープ『Nehruvia』を自主制作でリリースした。物憂げな雰囲気のその16歳は人生についての大人びた考え方と、酩酊感のあるループと愉快で朦朧としているドラムの上でライミングする能力を世界に示した。ニューヨーク北部に住むNehruはすぐに伝説的カルト・ラッパー、DF DOOMとの創作的な絆を築き上げ、2014年にコラボ作『NehruvianDOOM』をドロップするなど、この一匹狼のスーパーヴィランとメンター・生徒のような関係性を追い求めた。DOOMの影響はNehruのその後の作品にも多く見られたが、彼の最新作『Nehruvia: My Disregarded Thoughts』は彼が「成人した」作品のように感じられる。彼の類まれな音楽的ヒストリーにもしっかりと目配せをしながら、Nehruのアーティストとしての成長が次のフェイズに入ったことを知らせるような作品となっている。

精神的隷属を乗り越えることについての一連の楽曲群であると広く信じられているこのアルバムは“Colder”で幕を開ける。気味悪くぶつぶつと呟くようなシンセと縮められたスネアは、Nehruが「日々がどんどん冷たくなっていく」と感じている世界で神と悪魔両方に試されることになるこの曲の背景として機能する。このアルバムの13曲を貫いている内省的な底流が存在し、Nehruのデリヴァリーはそれ自体が順応性のある楽器であることを証明しており、様々な音楽的状況にもアジャストして適応する。“whydoesthenightskytalktome?”ではブルージーアコースティックギターのバッキングに乗せ、歌うようなフロウでこう嘆く。「こんな考えにとらわれて、頭から離れないんだ」“little suzy (be okay)”はピアノを中心としたトラックの上で、依存症と闘いながら「ホームと呼べる場所を探している」孤独な人物を描写した曲だ。

神出鬼没のDOOMもこのアルバムには当然客演で参加し、“METAHEAD”ではしなやかなジャズ・サイケのループの上で甘ったるい抽象画を描いている。しかし『Nehruvia』で見られる成熟を象徴しているのは“Too Lost”でのDJ Premierとの共演である。Premoのトレードマークである角張ったブーム・バップではなくメロディックなピアノの上で、Nehruは彼の中の「内なる子ども」と会話し、自分がどこから来てどう変わったのかを振り返っている――抜け目なく、彼のキャリアの最新のステージを精算しているのだ。

By Phillip Mlynar · May 06, 2020

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